LA PRESSE
 
MECANIQUE INSTABLE
12/12/2014

SAISON 2014-2015
23/05/2014

MECANIQUE INSTABLE
12/12/2014
 

Lucienne Bittar, www.choisir.ch, mardi 13 janvier 2015


MECANIQUE INSTABLE, AU POCHE GENEVE

 

Yann Reuzeau s'est beaucoup documenté avant d'écrire « Mécanique instable », et il a bien fait. Cette histoire d'entreprise florissante se transformant en Scop (coopérative) est une réussite. Cela aurait pu être laborieux, c'est drôle et bien croqué. Les dialogues, plus vrais que nature, ne laissent pas de temps mort (ou très peu) et permettent au spectateur de revisiter les grands sujets du monde du travail : les rapports à la hiérarchie et au pouvoir [Ce n'est pas la hiérarchie que vous voulez qu'on respecte, c'est l'incompétence], les questions de rémunérations et d'emploi [« Tu veux faire de la discrimination positive ? C'est au pays de faire ça, pas à toi !], l'égalités des sexes, l'amour et l'amitié entre collègues, le sens que l'on donne au travail. Tout cela est observé dans la durée, l'histoire se déroulant sur 10 ans, avec humour et un brin de dérision. Impossible de ne pas se sentir concerné.

Et tout comme dans la vraie vie, l'essentiel n'est pas dans le décor (des piquets et des cubes amovibles froids et gris pour délimiter des bureaux fermés ou en open space) mais dans les relations humaines. Les acteurs assument avec un naturel désarmant leur rôle, dans les deux sens du terme : dans la pièce et au sein de l'entreprise. Il y a la déléguée syndicale pragmatique, la secrétaire de direction indispensable, le créatif qui se la joue victime, le patron entrepreneur en crise de la quarantaine, la jeune comptable algérienne demandeuse d'emploi écrasée et le gestionnaire dont les difficultés de la vie privée rognent toute ambition et implication dans le travail. « Aujourd'hui je veux m'occuper d'Alice [sa fille malade]... le travail est devenu anecdotique », se défend-il. Et même si caricature n'est jamais très loin, la position de chacun évolue de façon cohérente durant les deux heures que dure le spectacle, aux grés des événements, de l'évolution de la boîte, et en accord avec les tempéraments. De quoi perdre quelques illusions, pour ceux qui seraient encore habités par l'utopie de la primauté de l'homme sur le capital.

Yann Reuzeau propose un théâtre « social ». Il a signé sa première pièce en tant qu'auteur-metteur en scène en 2000, avec La secte (sur la foi et la sexualité), publié chez Actes Sud. On lui doit Débutantes, sur la prostitution, Monsieur le Président, Puissants & Miséreux et Chute d'une nation (Prix Beaumarchais 2012).

Production Acte 2 en accord avec la Manufacture des abbesses.

 

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Katia Berger, La Tribune de Genève, mercredi 7 janvier 2015

 

LE POCHE ACCUEILLE LE DERNIER OPUS DU FRANÇAIS YANN REUZEAU 

 

A 36 ans, Yann Reuzeau est un prodige de la scène hexagonale. Auteur d’une demi-douzaine de pièces dont il assure la mise en scène, toutes solidement ancrées dans la réalité sociale d’aujourd’hui, acteur à ses heures, il dirige aussi le théâtre parisien La Manufacture des Abbesses, qu’il a cofondé avec la comédienne romande Sophie Vonlanthen. Très applaudi voici deux ans pour une «Chute d’une nation» sondant les coulisses d’une campagne électorale, il revient ces jours au Poche avec une «Mécanique instable» qui dévisse les rouages d’une entreprise rachetée par ses employés. On l'interroge.

 

Le théâtre documentaire a le vent en poupe. Etes-vous l’un de ses représentants?


Pas vraiment. Je pratique la même chose depuis 15 ans, sur des sujets de société et sur le monde dans lequel je vis. Mais ce que j’écris reste de la fiction, axée sur des personnages avant tout. Moins prisonnière du réel, la fiction a un pouvoir supérieur, et davantage de liberté. Cela dit, je me suis servi d’un film documentaire, Entre nos mains, pour documenter Mécanique instable.

 

Après la prostitution, les inégalités sociales ou la politique, vous examinez le destin d’une entreprise. Votre théâtre se doit-il d’être en prise sur l’actualité?


En principe, oui, j’essaie de comprendre comment la société fonctionne. Avec quelques exceptions toutefois. Je viens d’écrire une pièce sur l’adolescence qui nécessite moins de recherches. L’angle y est moins précis que dans Mécanique instable, qui s’attache aux Scop, ces «sociétés coopératives ouvrières de production», plus qu’à l’entreprise en général. Je m’inscris dans un théâtre réaliste, qui permet de voir des gens vivre à quelques mètres.

 

Avec ses actions parallèles et ses effets de montage, «Mécanique instable» lorgne aussi du côté du septième art. Cette parenté vous semble-t-elle incontournable?


Je n’ai rien contre le cinéma ou la télévision, mais je considère mes pièces comme de vraies pièces de théâtre. Mécanique instable est un objet théâtral assez strict, en cinq actes, avec une unité de lieu, d’action, et un aspect choral appuyé. Je n’ai pas le sentiment d’avoir emprunté ici à l’audiovisuel.

 

Comme dans certains films, la vie privée et la psychologie de vos personnages jouent pourtant un rôle déterminant…


J’écris des pièces sur des sujets de société, mais il ne faut pas qu’elles deviennent des précis de sociologie. Les traités et les documents sur la souffrance au travail, je les lis. A partir de là, je crée de la fiction, j’imagine des personnages, j’invente leur histoire. Les relations de couple qui alimentent l’action m’intéressent en cela qu’elles s’imbriquent dans le rapport au travail. Si les caractères et les vies intimes ont leur importance, j’espère ne pas basculer pour autant dans le vaudeville. Au sein d’une entreprise, je remarque que la fonction domine la personnalité. Or, quand les hiérarchies se voient bouleversées, les caractères se redéfinissent.

 

Croyez-vous viables ces coopératives dont les ouvriers sont également les actionnaires?


Ça peut marcher. Chaque entreprise, comme chaque individu, doit se positionner à sa façon. L’un de mes personnages ne s’adapte pas au système de la coopérative, il a besoin d’une structure hiérarchique. Une autre au contraire s’épanouit dans l’autogestion. L’avantage de ces modèles, à mes yeux, c’est qu’on n’a plus à craindre la délocalisation ou la restructuration: si on est propriétaire de sa PME, la question est réglée.

 

Faites-vous parties des gens qui travaillent pour vivre ou de ceux qui vivent pour travailler?


Je suis un artiste: écrire est le sens de ma vie depuis mes 15 ans. Chez moi, travailler et vivre sont mêlés, et c’est un grand privilège. Les artistes ont d’autres problèmes: l’insécurité de l’emploi, par exemple. C’est très différent des conditions en entreprise. Du coup, ce monde-là me fascine et m’interroge.

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Cécile Dalla Torre, Le Courrier, mercredi 7 janvier 2015

 

L’ENTREPRISE AU SCALPEL

 

Fresque sensible et contemporaine, Mécanique instable décrypte brillamment la vie d’une entreprise transformée en coopérative.

 

Yann Reuzeau a décidément ce talent d’ausculter la société française à la loupe pour en tirer des comédies sociales vives et sensibles. A l’automne 2012, le jeune dramaturge et metteur en scène français, co-directeur du Théâtre de la Manufacture des Abesses à Paris, débarquait en Suisse romande avec une saga décapante sur la vie politique hexagonale. En quatre épisodes, Chute d’une Nation décryptait les rouages des élections présidentielles françaises en suivant le parcours d’un candidat et de son équipe de com’ et de choc. Les épisodes pouvaient se voir à la suite ou indépendamment les uns des autres. Aujourd’hui, avec la même vivacité et cet esprit proche du feuilleton télévisé, Yann Reuzeau est de retour au théâtre du Poche, à Genève, avec une fresque sociale de deux heures dépeignant les vingt ans de la vie d’une entreprise transformée en coopérative. On retrouve sur les planches l’excellente Sophie Vonlanthen (Violaine) en maillon indéfectible voué au travail, doué d’une grande foi en l’homme, et Emmanuel de Sablet (Nicholas), promu chef des commerciaux mais vite rattrapé par sa vie privée, en l’occurrence la mort imminente de sa fille souffrante.

 

Coulisse de la prise de décision


L’histoire de Mécanique instable? Incarné par un puissant Sacha Petronijevic, Stéphane dirige depuis dix ans une entreprise florissante. Il annonce à son équipe de cadres son intention de la vendre, pour un ou deux millions d’euros. Sur la proposition de Violaine, Nicholas, Marie-Laure et Alex (Morgan Perez), l’inventeur et clé de voûte de la firme industrielle, ainsi que Marie-Laure (Sandrine Molaro), ouvrière et déléguée syndicale, décident de la racheter pour en constituer une Scop (Société coopérative ouvrière de production) sur le mode de l’autogestion. Une fois l’assistante comptable recrutée (Leïla Séri campe une Farida ambitieuse), l’équipe embarque pour une nouvelle épopée solidaire, dont on traversera les péripéties, dans les coulisses de la gestion et de la prise de décision. Avec beaucoup d’humour, Yann Reuzeau offre ici une plongée palpitante dans une réalité économique bien française, qui propose une alternative à la logique capitaliste du monde entrepreneurial. Le dramaturge a lui-même étudié de près ce nouveau modèle économique encore assez méconnu, qui essaime dans l’Hexagone. Si la pièce demeure une fiction, elle n’en dépeint pas sans réalisme un système qui démonte les rapports hiérarchiques et les mécanismes décisionnels traditionnels, les logiques de profit et de production, de même que la répartition des revenus. Sans occulter les limites du processus démocratique, qui mène parfois à des atermoiements (voire même pour le spectateur) avant de conclure au vote.

 

Tableau contemporain


Yann Reuzeau propose aussi de zoomer de l’intérieur sur les relations humaines qui sous-tendent les rapports professionnels – entre Alex et Violaine, puis Farida, les histoires de cœur se nouent ou se dénouent. Jusqu’où l’amour ou l’amitié entre collègues pousse-t-elle? La capacité au travail y est aussi influencée par les turpitudes familiales des uns et des autres. Comment congédier celui qui ne fait plus tourner les affaires alors qu’il est un vieil ami? Mais la question qui se pose est également celle du rapport de chacun au travail. Quelle place prend-il dans l’existence? Le travail fait-il tout dans la vie, lui donne-t-il tout son sens? Doit-on s’y dévouer corps et âme? Au final, par son jeu brillant et son dynamisme, Mécanique instable s’impose sans moralisation comme un tableau contemporain au ton juste et drôle. De quoi continuer à s’interroger sur les valeurs qui fondent nos modèles économiques actuels.

 

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Marie-Pierre Genecand, Le Temps-Sortir, décembre 2014-janvier 2015

 

THRILLER ÉCONOMIQUE AU POCHE


Le Français Yann Reuzeau raconte la fondation et l'évolution d'une coopérative

 

Chute d'une nation. Ceux qui, en novembre 2012, ont vu ce feuilleton théâtral racontant une présidentielle en quatre épisodes - un par soirée - se souviennent certainement du puissant frisson qui parcourait les tribulations médiatico-privées de cette ascension. Le Français Yann Reuzeau a fait sensation en Suisse romande avec cette production à l'efficacité d'une série TV. D'abord au Théâtre du Passage, à Neuchâtel, puis au Poche, à Genève, enfin, au Théâtre de Vevey.

En janvier prochain, le jeune auteur et metteur en scène de 36 ans revient avec une problématique toujours ancrée dans la réalité mais issue, cette fois, du monde économique. Et là aussi, il fait défiler le temps, puisqu'il suit durant vingt ans les aléas d'une équipe d'employés qui rachètent l'entreprise florissante que leur patron et néanmoins ami décide de mettre en vente. «Avec Mécanique instable, Yann Reuzeau explore l'aspect encore méconnu de ces coopératives dont la majeure partie des employés sont aussi actionnaires. Cette transformation est vécue comme une vraie révolution du travail, bien sûr, mais aussi comme une révolution de pensée, et même une révolution politique», détaille Le Poche, qui accueille ce spectacle créé à Paris il y a une année. Dans la distribution, on retrouve Sophie Vonlanthen et Emmanuel de Sablet, redoutables acteurs du thriller politique qui avait brûlé les planches il y a deux ans. Yann Reuzeau a-t-il conservé son sens du suspense? Saura-t-il raconter l'autogestion d'entreprise aussi bien que l'ascension politique? Réponse en janvier prochain.

 

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Jérôme Zanetta, Scène Magazine, décembre 2014

 

MÉCANIQUE INSTABLE

 

Du 5 au 8 janvier prochain, l’auteur et metteur en scène Yann Reuzeau proposera sa dernière production intitule Mécanique Instable. Le spectateur est immerge dans les tréfonds de l’entreprise, avec ce qu’elle engendre de souffrance, d’espoirs, d’illusions et de frustrations. Troupe de comédiens énergique et mécanique théâtrale drôlement subtile de Reuzeau qui n’a rien perdu de son talent et de son acuité. Entretien.

 

Après Puissants et Miséreux ou Chute d’une nation, qui évoquent déjà les imbrication du pouvoir, de la démocratie et de l’engagement personnel, il semble qu’avec Mécanique instable vous confirmez ne pas vouloir vous en remettre au répertoire dramatique classique ou contemporain ? Pourquoi ?

 

Yann Reuzeau : En effet, selon moi, l’auteur et le metteur en scène ne font qu’un et j’ai toujours eu cette volonté de créer des spectacles dans le vrai sens du terme, de maîtriser toutes les étapes d’une production théâtrale. De plus, je souhaite vraiment pouvoir réfléchir et écrire sur le monde dans lequel je vis et d’en donner ma propre vision. Je considère les textes du grand répertoire dramatique, mais je ne tiens pas à monter Molière pour traduire ma réflexion sur la société dans laquelle j’évolue.

 

Avec une pièce comme Mécanique instable, de quel aspect de notre société voulez-vous parler ?

 

Ce qui m’intéresse dans le cas précis, c’est le monde du travail et les gens aux prises avec tous les rouages de ce monde. Il s’agit de l’histoire d’une PME classique, fonctionnant selon un modèle type, hiérarchique et pyramidal, régie par un patron dirigeant une équipe formatée. Un jour, le patron décide de vendre et les employés décident de racheter l’entreprise pour en devenir à leur tour les patrons. Or, cette décision va tout changer, c’est un univers qui bascule et une conception du monde du travail qui va transformer les principaux concernés. Comment redéfinir leur rapport à la hiérarchie, à l’autre, aux relations humaines internes à cette nouvelle forme d’entreprise. Par exemple, lorsque l’un des membres de l’équipe dirigeante est confronté à un drame, dans sa vie personnelle, son implication professionnelle diminue sensiblement et les autres ne savent pas comment régler ce problème. Ils ne peuvent se résoudre à se séparer de lui et personne ne veut prendre la responsabilité d’une décision logique face à ce drame humain. On constate donc que lorsque tout va bien et que l’entreprise fait des bénéfices encourageants, on peut fermer les yeux sur de tels problèmes, mais quand les résultats sont mauvais, la situation est vite intenable, on cherche des responsables et on se voit obliger des redéfinir son rapport au travail. Chacun sera alors concernés par cette problématique, avec une conscience politique plus ou moins développée, peu importe, mais il faudra se poser la question de la répartition des bénéfices, du salaire unique, des stratégies commerciales, etc. Autant de questions qui leur semblaient auparavant loin de leurs préoccupations de simples employés, mais qui deviennent désormais l’affaire de chaque actionnaire. Leur implication est par la force des choses plus personnelle et intime. Certains vont donc vivre cette aventure pleinement et se révéler à eux-mêmes, alors que d’autres vont se crisper.

 

Vous souhaitez donc que chacun d’entre nous prenne conscience de sa capacité à changer les choses et à vivre totalement son engagement professionnel ?

 

Il y a cette volonté-là, bien entendu, mais je constate surtout la rigidité du monde du travail et cette idée reçue de la figure incontournable du patron, cette croyance en un pouvoir décisionnel unique incarné par le chef d’entreprise. Or, d’autres configurations sont possibles, même si elles ne sont pas idéales. Mais le fait de se retrouver au cœur des décisions redonne du sens à leur travail. Bien vite, ils vont se rendre compte du revers de la médaille et de la difficulté de diriger, d’être en charge de toutes les responsabilités et de ne plus pouvoir compter que sur soi-même. Cependant, et je le redis, il ne s’agit aucunement d’une solution idéale. Il faut pour réussir dans ce modèle être capable de s’adapter et de se réinventer sans cesse.

 

Ce n’est pas en effet le modèle entrepreneurial dominant actuellement. D’ailleurs, vous employez souvent le terme révolution pour qualifier le bouleversement qui intervient dans cette entreprise..

 

Ce modèle est aujourd’hui révolutionnaire par le seul fait qu’il n’est presque pas développé. Les chiffres en France parlent d’eux-mêmes ! Et dans la pièce, ce moment où le modèle hiérarchisé de l’entreprise vole en éclats est vécu comme une révolution par chacun des protagonistes, car ils ignorent totalement comment fonctionner autrement, selon un système de responsabilités partagées en coopérative et dont les employés sont aussi des actionnaires. L’état de choc dans lequel sont les différents acteurs du changement et la façon dont chacun va réagir au quotidien m’intéresse donc au plus haut point.

 

Quelles sont les qualités que doit posséder un comédien qui joue à vos côtés ?

 

Dans les situations très concrètes que proposent mes pièces, je cherche des comédiens capables de faire apparaître le personnage et aussi de disparaître en tant qu’acteur. J’aime les acteurs qui savent transmettre des émotions, qui sont créatifs et généreux, mais aussi qui soient dans le rythme juste de la réalité et de la sincérité.

 

Comment parvenez-vous à mettre les comédiens dans les meilleurs dispositions afin qu’ils soient en phase avec vos attentes ?

 

Je fais très attention au moment de l’écriture des dialogues, à ce que chaque prise de parole corresponde au caractère intrinsèque du personnage, mais aussi à la façon de jouer du comédien. C’est un élément que je connais d’autant mieux que je suis moi-même acteur. Il faut absolument restituer le langage parlé avec le plus de naturel possible pour rester crédible, mais tout en travaillant la langue de sorte qu’elle donne l’illusion d’être la nôtre. Et puis le comédien a toujours une marge de manœuvre qui lui permet d’investir le texte avec ses propres intentions, ses propres intuitions. Le rythme, le ton, la façon d’interrompre l’autre ou de se réapproprier la parole, les silences, tous ces aspects inhérents au dialogue du comédien, je les travaille scrupuleusement. La façon de dire le texte est déterminante afin de se prémunir contre les écueils d’une propos somme toute assez technique sur le monde de l’entreprise.

 

SAISON 2014-2015
23/05/2014
 

Rosine Schautz, Scènes Magazine, septembre 2014

 

FRANÇOISE COURVOISIER, UNE SAISON EN FORME DE CODA


Saison en effet en forme ‘concluante’, mais aussi modulante, et peut-être quand même thématique. Saison de clôture qui mêlera à la fois des pointures comme Jean-Quentin Châtelain, Gérard Desarthe, Carole Bouquet, et des esprits curieux, investigateurs avec notamment Attilio Sandro Palese, Julie Duclos ou José Lillo.

Des ‘retours’ aussi qui mettent l’eau à la bouche: après avoir enchanté en 2012 avec Chute d’une nation, Yann Reuzeau revient avec Mécanique instable, spectacle sur et autour du monde du travail.

Attilio Sandro Palese proposera fiévreusement un Fever, à la vie, à la mort en ouverture de saison. Théâtre basé sur une réinterprétation de la dansante Fièvre du samedi soir de nos meilleurs souvenirs adolescents.

En février José Lillo s’attellera, avec la pertinence qu’on lui sait, au dossier du Rapport Bergier. Pour lui le débat n’ayant jamais vraiment eu lieu en son temps, pour diverses raisons dont l’affaire des fonds en déshérence, il est de ceux qui pensent qu’il reste essentiel de savoir ce qui s’est fait en Suisse durant cette période chaotique qui ne passe pas vraiment, ni ici ni ailleurs, d’ailleurs ! Avec Maurice Aufair, Felipe Castro et Lola Riccaboni en piste pour nous aider à voir et à comprendre. Et reprendre le fil de l’Histoire.

Julie Duclos créera de son côté Du pain et des Rolls, adaptation théâtrale du film culte de Jean Eustache, La Maman et la Putain. Triangle amoureux en perspective, mais pas seulement. Car en pluralité de perspectives.

Enfin Françoise Courvoisier reprendra son spectacle-phare, entré désormais dans les mémoires, Les Combats d’une reine, hommage tendre et réussi à Grisélidis Real, écrivaine, peintre et prostituée que l’on ne présente plus.

Et d’autres surprises encore (dont la rencontre Claudia Stavisky et Penelope Skinner dans une pièce britannique En roue libre inédite en français) sur lesquelles nous reviendrons forcément.

 

Pinter

A ne manquer sous aucun prétexte en fin de saison, Ashes to Ashes  de Pinter, mis en scène par Desarthe et interprété par Carole Bouquet.

Mais aussi, moins ‘glamour’ peut-être (quoique…), mais tellement vraisemblable et drôle, l’histoire d’un homme et son boa. Oui, l’idée géniale de Jean-Quentin Châtelain de proférer sui generis les mots d’Emile Ajar extraits de Gros-Câlin est à voir absolument. Vrai morceau de littérature fantaisiste et déroutante d’un Romain Gary, le facétieux et ubiquitaire écrivain deux fois Goncourt, qui ‘nous’ a bien eus sous ses masques pseudonymiques… en achevant définitivement sa vie un fameux 21 mars 1979 d’un « Je me suis bien amusé. Au revoir et merci » dévoilant ainsi sobrement et sans ambages sa supercherie dans son dernier « Vie et mort d’Emile Ajar ». 

 

 

Entretien avec Françoise Courvoisier

 

Quelle a été l’idée qui a présidé à l’élaboration de cette ultime saison au Poche ? 

 

Il n’y a pas d’idée directrice au sens plein du terme. Plutôt des envies, des désirs. J’ai toujours pensé que les acteurs étaient au cœur de la représentation, particulièrement au Poche où le rapport scène/salle est si privilégié. Il demande justesse et précision. J’ai donc une fois de plus misé sur des « directeurs d’acteur », comme Sandro Palese, Yann Reuzeau, Claudia Stavisky ou Gérard Desarthe. Cela me plaisait d’ouvrir ma dernière saison avec FEVER, d’après le film culte, La Fièvre du samedi soir. Non seulement parce que j’aime le travail de Sandro Palese (il possède un précieux mélange de folie et de rigueur) mais aussi parce qu’il tenait à travailler avec des jeunes acteurs, récemment sortis d’écoles de théâtre. Il a rencontré une quarantaine de jeunes comédiens établis en Suisse romande pour trouver sa bande de six jeunes paumés, qui s’éclatent le samedi soir à la disco du coin. Pour le casting, il était accompagné de la chorégraphe Cathy Eybert qui orchestrera les danses. C’est fondamental d’offrir des tremplins aux nouvelles générations de comédiens et en plus, c’est vivifiant pour le public !

S’il y avait une idée primordiale, je dirais que c’est plutôt une cohérence entre un texte, des acteurs, et des metteurs en scène. Je ne suis pas très attachée à l’idée d’une thématique. Souvent un fil rouge apparaît finalement, au moment où je présente la saison ! C’est assez magique d’ailleurs. Je crois qu’il s’agit d’une cohérence intuitive et les liens, les échos d’un spectacle à l’autre émergent soudain de façon évidente, alors que sincèrement, je ne les avais pas prémédités.

Et puis il y a aussi des fidélités envers certains compagnons de route. Par exemple José Lillo, que j’ai dirigé comme acteur dans Jean la vengeance de Jérôme Robart, qui a adapté avec tant d’intelligence le Gorgias de Platon, reviendra avec un texte personnel, en cours d’écriture. Il s’agit du Rapport Bergier, qui interroge le rôle de la Suisse pendant la seconde guerre mondiale. Un sujet encore chaud qui nécessite un doigté particulier, dont je me réjouis de découvrir l’aboutissement… Ce projet fait partie des « prises de risque » qui constituent aussi mes programmations.

Les saisons se suivent, mais laissent des traces. Chaque nouvelle saison fait quelques clins d’œil aux précédentes. J’ai l’impression que ces douze saisons au Poche sont comme des témoins de différentes histoires : celles que racontent les auteurs, mais aussi celles de leurs interprètes : les acteurs, les metteurs en scènes, les scénographes, et… les spectateurs, qui suivent tout cela et qui ont leur avis. Ils en en parlent, ils aiment, ils détestent, ils adorent, ils contestent, et surtout, ils se souviennent… C’est cela qui importe. Qu’est-ce que c’est riche ! Quand j’y pense, cela me donne le tournis.

 

Le Pinter, c’est pour l’écriture anglaise ou pour l’Angleterre plus globalement ?

 

Il n’y a pas eu une saison au Poche sans un auteur anglais, je crois ! Arnold Wesker, Martin Crimp, Harold Pinter mais encore, cette saison, la jeune Penelope Skinner, avec son texte « très osé » En roue libre, qui parle de la libido incontrôlable d’une femme enceinte ! C’est mordant, très drôle aussi. Les auteurs anglais ont l’art du dialogue, ce qui peut parfois manquer aux pièces françaises. Ils n’ont pas peur de « faire de l’esprit ».

 

Une directrice de théâtre est-elle forcément plus sensible à donner la parole à des femmes ? 

 

Cette saison est effectivement très féminine. Côté auteurs avec Jeanne Benameur, Grisélidis Réal et Penelope Skinner, justement ! Et de grandes actrices, de tous les âges : Julie Rahir, Laurence Vielle, Maria Perez, Élodie Bordas, Judith Magre, Lola Riccaboni, Carole Bouquet, et j’en oublie. De même que les metteurs en scène : Bérangère Bonvoisin, Claudia Stavisky… Mais là à nouveau, il n’y a aucun volontarisme de ma part, cela s’est présenté naturellement. Et cela me ravit car je n’ai pas toujours autant gâté la gente féminine ! Les quotas, ce n’est pas mon fort. Je pense que l’art ne peut pas s’embarrasser de cela.

 

Et les tournées ? Je vois que beaucoup de spectacles ont eu une vie après le Poche, et une vie réussie sans conteste… 

  

Oui, c’est vrai. Je suis fière de pouvoir dire que nous avons une centaine de dates à l’extérieur chaque saison. C’est un travail de diffusion de longue haleine qui porte ses fruits. Nos spectacles voyagent autant à Bruxelles, qu’en Suisse romande et en France. Cet été, nous avions deux créations du Poche au Festival d’Avignon : Pourquoi ont-ils tué Jaurès ? de et par Dominique Ziegler et Bourlinguer de Blaise Cendrars avec Jean-Quentin Châtelain. Les deux spectacles ont cartonné !

J’ai en effet à cœur que les spectacles tournent, aient deux, trois, cinq vies après le Poche. Le théâtre doit être en mobilité, doit être sur ‘les chemins’.

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Sèverine Garat, LeProgramme.ch, 2 septembre 2014

 

UN DÉPART EN GRANDE POMPE !

 

Elle s’appelle Françoise Courvoisier et dirige le théâtre Le Poche depuis douze ans. Avant passage de témoin au valaisan Mathieu Bertholet, qui reprendra les rênes de la maison dès juillet 2015, cette dame bien connue des professionnels de la profession ne semble pourtant rien avoir perdu de sa joie de vivre malgré son prochain départ. Au contraire ! C’est une saison placée sous le signe de la fête, une saison qui scintille, à l’image d’une directrice aussi gourmande qu’insatiable. Rencontre avec une grande bavarde passionnée qui nous a tout simplement préparé « un cocktail explosif » !

 

 

Vous êtes auteure, comédienne, metteure en scène et directrice du théâtre Le Poche depuis plus de 10 ans. Comment réussissez-vous à combiner tout cela ?

 

Dans l’ordre, il faudrait dire metteure en scène, directrice de théâtre et comédienne. Car je privilégie désormais mon activité de mise en scène depuis ma nomination au Poche.

J’avais déjà trente ans quand j’ai signé ma première mise en scène. Comme comédienne, j’ai travaillé avec pas mal de pointures que je garde précieusement en mémoire, comme Benno Besson par exemple. Je n’ai joué qu’une seule fois au Poche et c’était l’an dernier. Et cela faisait un moment que je n’avais pas remis les pieds sur scène pour tout dire ! Au début j’étais assez inquiète. Et puis on s’aperçoit vite que c’est comme le vélo : ça revient vite ! S’agissant de mon autre casquette, celle de directrice, c’est un très grand luxe qui m’est évidemment offert. Et c’est pour cela que je suis toujours en faveur des artistes à la tête des institutions plutôt que des technocrates de la culture - sauf les artistes qui ont un égo surdimensionné… et il en existe malheureusement beaucoup ! Il faut avoir un certain sens du partage pour assumer cette fonction, grâce à laquelle on va puiser une nouvelle énergie au contact d’autres artistes, d’autres langages, d’autres personnes. Et puis, diriger un théâtre ce n’est pas seulement faire une programmation. C’est aussi gérer une équipe administrative, un personnel technique, la communication etc. sans qui les artistes ne pourraient pas vraiment déployer leurs ailes. Tout cela est très lourd mais compte énormément. 

 

Quelle première rencontre marquante avec l’art et/ou la culture dans votre histoire personnelle et votre parcours pour en arriver là ?  Et quel bénéfice principal tirez-vous de tels choix professionnels au quotidien ?

 

Cela va peut-être vous surprendre, mais mon quotidien c’est pleinement le théâtre. Même avant de diriger Le Poche. Certes, il faut revendiquer que c’est un métier. Mais c’est aussi et surtout à mon avis, une façon de vivre. Je me souviens des mots de Jean-Pierre Malo accueilli ici l’an dernier avec La force de tuer de Lars Norén. Il disait que le métier de comédien tenait au fait de se lever le matin et de se préparer toute la journée à jouer le soir. C’est cela le théâtre, c’est avant tout une passion. De mon côté, je viens d’une famille ancrée dans la musique. Et pour les miens, le théâtre était plutôt anecdotique.  La musique appartenait à une sphère bien plus supérieure, un art majeur qui se passe de mots justement. Je ne me disais pas qu’ils avaient tort ou raison mais en tous cas, s’ils avaient raison, je préférais alors me dire que la musique, c’était sans doute trop « énorme » pour moi. J’aimais précisément l’aspect ludique du théâtre.  J’y suis vraiment venue par le jeu d’enfant. J’étais tout le temps en train de jouer un personnage, une situation imaginée. Et je crois que cela ne s’est jamais vraiment arrêté en fait !  Ce n’est pas forcément une fuite, mais plutôt une certaine manière de vivre.

 

Après 12 années passées au Poche, comment définiriez-vous votre mission principale au regard du cahier des charges qui est le vôtre ? Et à quel savant dosage devez-vous vous prêter pour composer une saison destinée à près de 20 000 spectateurs-trices ?

 

Mon goût est très éclectique et je n’ai aucune difficulté à contraster mes choix. J’ai besoin de travailler avec autant de gravité que de légèreté. Pour peu que l’on s’entende sur le fait que léger ne signifie pas superficiel… Les 10 spectacles programmés cette saison s’adressent à un public fidèle et particulièrement enthousiaste, que je n’ai ni envie, ni intérêt de décevoir ! 170 personnes étaient présentes à notre présentation publique de saison, ce n’est pas rien ! C’est précisément le noyau du Théâtre. Mais il y a aussi un public frais, que certains sujets, textes ou autres attirent spontanément. C’est important aussi d’avoir ce type de public en tête quand on compose une saison. Car s’il s’agit de le faire venir, il importe surtout de le faire revenir !

 

Vous prenez quand même le risque de démarrer la saison par 3 créations, successivement à l’affiche du Poche de septembre à novembre 2014. Devons-nous ici y voir un choix ou simplement une gestion de calendrier ?

 

C’est davantage dû au hasard de calendriers croisés que véritablement un choix. Cela dit, je défends activement l’idée de s’engager en faveur de la création, sans pouvoir présumer en amont de ce que sera le « résultat ». Le public du Poche vient aussi pour cela et aime participer à la découverte et à la reconnaissance des artistes.

Fever d’Attilio Sandro Palese, qui ouvre notre saison, est un projet sur lequel je fonce sans hésiter! Cet artiste de 40 ans est juste un véritable chien fou ! Il fait un travail singulier où il arrive à mêler une sorte d’agressivité à un plaisir de la vie. Quand il me propose un texte et une mise en scène autour du film culte La fièvre du samedi soir, je n’ai pas besoin de réfléchir une seule seconde. S’agissant de Beckett, il faut se souvenir que les salles se vidaient à son époque et qu’aujourd’hui, c’est simplement un monstre. Avec En attendant Godot, mis en scène par Laurent Vacher, aucune hésitation non plus, tant il est sidérant de voir comment l’œuvre est encore si actuelle et résonne avec l’époque qui est la nôtre, entre espoir et détresse d’une humanité en quête de sens. Quant au texte de Jeanne Benameur, Les Demeurées, mis en scène par Didier Carrier, autour de la question de l’enseignement et de la transmission générationnelle, c’est tellement urgent et important, que je fonce encore !

 

Après quoi, c’est à vous, avec Les combats d’une reine, créé en 2010 au Festival d’Avignon et repris au Théâtre de la Manufacture des Abbesses cet automne à Paris. Comment vous y êtes-vous prise pour mener ce travail si sensible autour de la vie de Grisélidis Réal ?

 

Il y a vingt ans, personne n’avait jamais porté à la scène les textes de Grisélidis Réal. Et j’avoue que je suis un peu fière d’avoir été la première à m’y risquer avec un spectacle intitulé Grisélidis. Quand j’ai découvert ses écrits, j’ai été incroyablement bouleversée et en même temps, ils me donnaient une pêche d’enfer ! J’ai absolument voulu la rencontrer. C’était une personne extraordinaire, une sorte de Jean Genet au féminin. J’ai rapidement obtenu sa confiance quand elle craignait un regard critique ou une pitié déplacée sur son activité de prostituée. On a fait certaines lectures partagées, on a beaucoup regardé de documentaires au sujet de la prostitution. Mais cette écriture témoigne de bien plus que du seul métier de prostituée. Cela touche aux notions de différence et de revendication d’une certaine liberté féminine. Et cela me parle, forcément.

 

Parmi les 4 créations que vous accompagnez la saison prochaine, il y a aussi celle de José Lillo, pour une adaptation libre des 11 000 pages qui constituent le rapport Bergier. Une commande politiquement incorrecte chuchotée à José ?

 

Non, c’est vraiment son idée! J’ai senti que José était tenté par l’écriture, et vu que c’est quelqu’un qui a le sens du dialogue, j’ai aussitôt pensé qu’un travail d’adaptation serait une bonne chose pour lui. Je l’ai encouragé sur ce chemin. Le Rapport Bergier est sans conteste le truc le moins politiquement correct de la saison ! Et quand on sait le voile encore très épais qui flotte sur ce lourd « passé suisse », je trouve l’initiative nécessaire. Le sujet est très délicat et réclame une belle intelligence pour être capable de s’en saisir.

 

Les partenariats que vous réussissez à tisser à l’échelle locale et internationale, d’un point de vue artistique, économique (coproductions avec le Théâtre de Vidy Lausanne, le Théâtre des Célestins à Lyon et le Théâtre de l’Orangerie et participation au programme interreg), voire pédagogique (des distributions composées de jeunes comédiens de la HETSR Manufacture ou de la nouvelle promo issue du Conservatoire national de Paris ) participent activement au rayonnement des artistes, à la circulation des publics et à la mutualisation des moyens. Qu’en est-il de la diffusion ?

 

Depuis une dizaine d’années, malgré les difficultés économiques, Le Poche présente tout de même une centaine de représentations hors les murs. Si nous ne rencontrons guère de souci en matière de production, la diffusion reste un enjeu majeur. Bien que Sami Kanaan, notre conseiller d’Etat, soit favorable à une aide à la diffusion, il n’est pas dans la tradition genevoise de dégager des fonds pour cela. Ils restent très inférieurs aux besoins des compagnies. Il est donc important de réfléchir à cette question car, une création doit pouvoir tourner, c’est-à-dire, vivre ! Nous devons nous battre pour faire entendre cette nécessité. S’ouvrir au monde, faire voyager les écritures, les artistes, les mises en scène…c’est magnifique et important !

 

C’est votre dernière saison à la direction du Théâtre Le Poche. Le travail mené jusqu’ici en faveur des écritures contemporaines sera-t-il aussi intensément poursuivi par votre successeur ?

 

Mathieu Bertholet est quelqu’un qui saura poursuivre cet engagement, sans aucun doute. Et c’est essentiel, quand depuis 1948, date de création du Théâtre de Poche, aucune direction n’a dérogé à cette « règle ». Je passe le témoin sans inquiétude.

 

Un conseil à lui donner ?

 

« Ne sois pas trop obéissant ! » Mais il n’en a pas l’air, donc tout devrait bien se passer !

 

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Corinne Jaquiéry, La Liberté, 23 août 2014

 

FRANÇOISE COURVOISIER, FLAMBOYANTE AU SOLEIL DU THÉÂTRE

 

Ardente et audacieuse, la directrice du Théâtre de Poche à Genève entame sa douzième et dernière saison sans regrets, portée par l’amour du jeu. Portrait.

 

La singularité. Voilà ce qui plaît vraiment à Françoise Courvoisier dans ses choix de théâtre et dans sa vie. Peut-être parce qu’elle aussi porte en elle quelque chose de singulier: une passion dévorante pour le théâtre qui la distingue au quotidien. Vibrante, rouge à lèvre éclatant, elle ose la différence. «Je trouve prétentieux de se trouver soi-même différente, mais quand on me dit que je suis spéciale, je prends ça pour un compliment », dit-elle en éclatant d’un rire malicieux qui revient souvent ponctuer la conversation. «Il y a tellement de conventions, de principes auxquels il ne faut pas déroger dans notre société, c’est bien d’apporter parfois de la rugosité. Lorsque l’on dit d’un acteur qu’il est lisse, c’est épouvantable, non? »

 

Pour cette comédienne qui a créé son propre lieu – La Grenade, en 1997 – le théâtre se vit contemporain et doit emmener hors des sentiers battus. Ainsi son premier spectacle Lucie, June, Claire, Maya (1991) traitait de schizophrénie d’après les écrits des psychiatres Laing et Esterson. «Il me semble que l’éclat vient souvent de la face cachée» avance-t-elle avec douceur.

 

Dans le regard de l’autre, cette mélomane cherche le diapason, préférant la concorde à l’opprobre, même si elle n’a jamais eu peur de proposer des spectacles qui ont pu faire polémique comme ceux qu’elle a créé autour de la parole de Grisélidis Réal – la seule prostituée ensevelie au Cimetière des Rois, panthéon genevois des personnalités. «Je n’aime pas la marge pour la marge, mais quand je rencontre une femme comme Grisélidis, «la prostituée la plus fière et la plus douée de la littérature européenne » selon Le Magazine Littéraire, je ne peux que lui rendre hommage en portant ses textes à la scène.»

 

En 1993, elle présente son deuxième spectacle en tant que metteur en scène avec Grisélidis, puis, dix ans plus tard, toute nouvelle directrice du Théâtre le Poche, elle monte Sphinx du macadam. Enfin récemment (2011), elle sollicite la ténébreuse comédienne française Judith Magre pour Les combats d’une reine, qu’elle reprend encore cette saison après l’avoir présenté à Paris fin août. «Je boucle la boucle. C’est joli de finir avec l’auteur par qui j’ai commencé en tant que directrice. J’ai eu un coup de cœur terrible pour Grisélidis. Elle m’a fait tellement rire, et m’a aussi bouleversée. Je veux la garder vivante en travaillant ses textes.»

 

Rire de ses décrépitudes

 

Les coups de cœur, Françoise Courvoisier les cultive avec bonheur. Des rencontres  fortes avec des femmes et des hommes qui émargent presque toujours du théâtre. Il y a eu Benno Besson, Claude Stratz ou Grisélidis Réal, mais le lien le plus intense sera celui qu’elle entretiendra avec René Gonzalez, ancien directeur du Théâtre de Vidy, aujourd’hui disparu, avec qui elle a parlé théâtre jusqu’au vertige. «La mort a toujours été très, trop présente dans ma vie. J’ai perdu ma mère très tôt, puis beaucoup d’autres gens qui m’étaient chers…»

 

Cette finitude inéluctable ne lui fait pourtant pas peur et elle l’évoque sans fards. En revanche les stigmates du vieillissement ne l’intéressent pas. «L’âge ? Je le traverse, mais je ne m’y vautre pas », ironise cette jeune quinquagénaire qui évite l’écueil de la date de naissance. «Je trouve inutile d’évoquer ses vapeurs ou d’autres problèmes liés à l’âge. Je veux développer le rêve, pas parler de mes varices, car comme le dit Grisélidis, il faut se rire des décrépitudes et des écroulements. »

 

Affamée de textes

 

La force des mots, Françoise Courvoisier y croit. Dès l’âge de dix ans, elle tient son journal pour immortaliser ses rêves. Aujourd’hui, elle écrit toujours, des pièces et des chansons et aime mettre les auteurs en valeur au Poche. De jeunes écrivains suisses contemporains comme Attilio Sandro Palese (en ouverture de saison), Dominique Ziegler ou la Fribourgeoise Sandra Korol ou un peu plus anciens comme Michel Viala et Blaise Cendrars. «J’aime vraiment que les textes soient un peu mieux que la vie, un peu plus creusés que le langage quotidien. Si c’est pour trouver sur scène ce que l’on peut voir au bistrot du coin, c’est dommage. Pour moi, un texte peut habiller un plateau autant qu’un beau décor.»

 

Alors que va bien pouvoir faire cette affamée de textes et de théâtre après son départ du Poche ? «Je n’ai jamais eu de plan de carrière. Je vais sans doute continuer à mettre en scène, écrire et jouer… Et j’aimerais bien faire un tour de chant», confesse-t-elle. «J’ai baigné dans la musique car mon père était violoncelliste. J’ai d’ailleurs fait du piano. A l’époque, il y avait trop de musique autour de moi. Il y en a toujours, mais de manière différente car mon compagnon de vie est musicien. Il fait toutes les bandes son de mes spectacles. J’aime la chanson. J’écris des chansons depuis des années. C’est aussi une manière de transmettre l’émotion. Très peu de mots pour parler de la vie.»

 

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FRANÇOISE COURVOISIER, LES FEUX D'UNE ULTIME ENVOLÉE

 

Marie-Pierre Genecand, Le Temps, 23 mai 2014

 

Mercredi, à Genève, la directrice du Théâtre Le Poche a présenté sa douzième et dernière saison.

 

Ah, Françoise Courvoisier ! Unique dans son côté d’éternelle fiancée du théâtre… Mercredi soir, la juvénile quinquagénaire a présenté sa douzième et dernière saison à la tête du Poche, à Genève. Et choisi pour l’occasion un code couleur rouge à pois blancs, coup de fraîcheur contre la morsure du temps. La directrice était émue, on la comprend, en déclinant les spectacles qui composent son dernier menu. Emue et un peu perdue… Le cœur et ses palpitations! Mais la saison est solide et même d’exception. Avec, d’un côté, des pointures comme Jean-Quentin Châtelain, Gérard Desarthe, Carole Bouquet, et de l’autre, des têtes chercheuses comme Attilio Sandro Palese, Julie Duclos, José Lillo. Des retrouvailles, aussi, qui réjouissent: après avoir sidéré en 2012 avec Chute d’une nation, série théâtrale sur les tribulations d’une élection, le Français Yann Reuzeau revient avec Mécanique instable, fresque sur le monde du travail. On trépigne déjà.

 

Casque à paillettes

 

La maîtresse de céans éblouissait dans son habit blanc, il est arrivé coiffé d’un casque à paillettes et s’est vautré à ses pieds. Punk par essence, Attilio Sandro Palese n’a peur de rien, et son Fever, à la vie, à la mort qui ouvre la saison promet de belles étincelles. Dans cette réécriture de La Fièvre du samedi soir «axée sur le tomber de masque et la liberté», le metteur en scène fera danser de jeunes comédiens. Même belle promesse de secousses avec José Lillo, qui rouvrira le dossier du Rapport Bergier en février. «A cause des fonds en déshérence qui ont braqué le peuple, le débat n’a pas vraiment eu lieu. Pourtant, il est important de savoir ce qui s’est passé en Suisse durant cette période», a expliqué l’artiste genevois. Maurice Aufair, Felipe Castro et Lola Riccaboni remonteront le cours du temps avec lui.

 

Autre enquête sur un passé, récent, autre réécriture à partir d’un film: la Française Julie Duclos créera Du pain et des Rolls, libre adaptation théâtrale de La Maman et la Putain, de Jean Eustache. «Il s’agit d’interroger le triangle amoureux et la figure à contre-courant d’Alexandre», a confié la jeune femme, dans une interview filmée.

 

Et Françoise Courvoisier ? La directrice reprend un spectacle poignant. Les Combats d’une reine, délicat hommage à Grisélidis Real à travers trois âges de la vie de celle qui se définissait comme «écrivaine, peintre et prostituée» (LT du 11.03.2011). La tête haute, le corps ouvert et le cœur large. De quoi rapprocher Grisélidis Real de Becky, héroïne de Penelope Skinner dans En roue libre. «Une jeune femme dont la grossesse n’entame pas l’appétit sexuel, au contraire», a prévenu Claudia Staviski, directrice du Théâtre des Célestins, à Lyon. David Ayala, Valérie Crouzet et Julie-Anne Roth, géniaux chez Dan Jemmett, se feront un plaisir de secouer le cocotier british.

 

Carole Bouquet hantée

 

Qui dit Angleterre, pense Pinter. Le Prix Nobel de littérature et son art de la dissimulation séviront en fin de saison avec Ashes to ashes, rebaptisé Dispersion. Gérard Desarthe dirigera les opérations et jouera lui-même Devlin, un homme dont l’épouse, Rebecca, est hantée par la Shoah sans jamais la nommer. La mystérieuse Carole Bouquet interprétera cette âme intérieurement agitée.

 

Avant, il y aura eu un homme et son boa. Jean-Quentin Châtelain revient au Poche avec Gros-Câlin, partition fantasque de Romain Gary très éloignée du Bourlinguer de Cendrars, auquel le comédien a prêté sa puissance massive en février. Ici, il est question d’un solide serpent et d’une sirène sensuelle… Une prose d’une autre étoffe, pour le même phrasé, nasillard et envoûtant, de notre mage préféré.

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LES THÉÂTRES DONNENT LEURS SAISONS EN SPECTACLE

 

Katia Berger, La Tribune de Genève, 23 mai 2014

 

Le Poche dévoile son affiche 2014-2015. Amuse-bouche.

 

Principales tendances de cette programmation charnière : un retour aux sources de l’écriture dramatique contemporaine, avec un Beckett et un Pinter. Et un amour affiché pour les « demeurées », ces rebuts d’une société battante, avec une pièce du même nom (au féminin pluriel) sur les savoirs inégaux d’une institutrice et d’une idiote du village. Avec un spectacle consacré à Grisélidis Réal. Et un solo de Jean-Quentin Châtelain en homme-python boursouflé de solitude. Le tout couronné par deux pièces plus carrément politiques : l’autogestion d’une entreprise et les compromissions de la Suisse pendant la Deuxième Guerre mondiale. La sensibilité à autrui, tel est le maître mot au théâtre Le Poche.

 

Pierres fines au Poche


Sur les dix spectacles qui donneront son âme au Poche 2014-2015, quatre créations. La première s’annonce déjantée : le Romand Attilio Sandro Palese signera un dansant Fever inspiré du film La fièvre du samedi soir. Cinéma encore, à la racine du spectacle de Julie Duclos accueilli à la fin de février, Du pain et des Rolls, qui s’inspire de La Maman et la putain d’Eustache. Après sa tonitruante venue en 2012 avec Chute d’une nation, l’auteur-metteur en scène français Yann Reuzeau présentera en janvier Mécanique Instable, la chronique d’une entreprise rachetée par ses employés. Quant au Trublion José Lillo, il s’emparera le mois suivant du Rapport Bergier pour susciter, sur fond de montée des nationalismes, un débat qui, lors de la parution du texte, n’avait pas eu lieu. Enfin, pour clore le règne de Françoise Courvoisier avant que Mathieu Bertholet ne prenne le pas, Gérard Desarthe viendra avec Carole Bouquet composer le noir Ashes to Ashes de Pinter.

 

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